O Inferno é a primeira parte da "Divina Comédia" de Dante Alighieri, sendo as outras duas o Purgatório e o Paraíso. Está dividido em trinta e três cantos (uma divisão de longas poesias), possuindo um canto a mais que as outras duas partes, que serve de introdução ao poema. A viagem de Dante é uma alegoria através do que é essencialmente o conceito medieval de Inferno, guiada pelo poeta romano Virgílio. No poema, o inferno é descrito com nove círculos de sofrimento localizados dentro da Terra. Foi escrito no início do século XIV. Os mais variados pintores de todos os tempos criaram ilustrações sobre esta obra, se destacando Sandro Botticelli, Gustave Doré e Salvador Dalí.

Vasco Graça Moura  (1942-2014) tradutor de A Divina Comédia, fioi advogado, político, escritor. Começou a destacar-se como secretário de Estado no IV Governo de Vasco Gonçalves. Entre 1975 foi deputado à Assembleia Constituinte, pelo PPD.

Na década de 80 tornou-se nome central da literatura portuguesa da segunda metade século XX. Casou filha de Miguel Torga.

Apoiante de António Ramalho Eanes, foi director da RTP1, esteve na Imprensa Nacional, no PEN Clube, na UNESCO, no Conselho da Europa.

E nas Comemorações do Centenário de Fernando Pessoa e na Comissão das Comemorações dos Descobrimentos, na revista Oceanos, na Fundação Casa de Mateus, na Exposição Universal de Sevilha.

Vasco Graça Moura contra Acordo Ortográfico

E ainda nas Bibliotecas  da Fundação Calouste Gulbenkian, na Fundação Luso-Americana para o Desenvolvimento, na Fundação Centro Cultural de Belém.

Com António Mega Ferreira, propôs a Exposição Mundial de de 98 em Lisboa. Durante dez anos foi deputado ao Parlamento Europeu.

Liderou o Movimento Contra o Acordo Ortográfico. 

Crianças palestinas são presas pelos militares de Israel e levadas para longos interrogatórios sozinhas... por suspeitas de terem atirado pedras. Um absurdo que viola todas as regras e convenções internacionais

Acontece todos os dias na Faixa de Gaza e na Cisjordânia - o Estado Palestino que Israel invadiu e não reconhece, desde 1948.

Existem muitos videos publicados no You Tube a testemunhar que o Inferno afinal é na Terra onde Jesus pregou o amor. E Abraão andou à procura de uma terra prometida pelo deus cruel da Bíblia.

Dormir com o medo

Quem dorme comigo é o medo, é o medo, cantava Amália por saber que ele, medo, se tornara um abismo nos portugueses.

Recentemente outra mulher de excepção, a juíza Maria José Morgado, afirmou com desassombrada lucidez estarmos a viver em generalizado clima de medo.

José Gil, destacado filósofo e escritor, publicara já um notável ensaio sobre Portugal, o Medo de Existir, aspecto pouco abordado apesar de, para muitos, ser uma sombra visceral.

Monarquias e repúblicas, totalitarismos e democracias, igrejas e partidos sustentam-se, ora através do terror, ora do ludíbrio, com fogueiras umas vezes, com seduções outras, que o domínio e a manipulação dos povos têm a mesma raiz.

Mitificada, a liberdade pós 25 de Abril não impediu comportamentos autoritários, fascizantes mesmo, que estão a recuar conquistas feitas e aceites pelas populações.

O medo de hoje é, no entanto, mais sugerido do que explícito - estamos ainda em democracia - mais paralisante do que actuante, o medo de perder emprego, casa, saúde, reforma, família, o de sofrer a ineficácia das instituições - nos hospitais, nos tribunais, nas escolas, nos partidos, na comunicação social - a que se acrescentam, externamente, ameaças de conflitos nucleares, de nova guerra mundial, de descontrolos climáticos, de subjugação à Inteligência Artificial.

As bíblias (das igrejas, das ideologias, dos pensamentos correctos) são, por sua vez, alfobres de terrores e hipocrisias circundantes. 

Este medo ganha características novas, próprias da época, isto é de mudança de eras, de culturas, de relacionamentos que atravessamos.

A imprevisibilidade desorienta-nos, o amanhã indefine-se, indefine-nos. O único futuro emergente é o da tecnologia (formidável se bem usada) não é, pelo que se perspectiva, o das humanidades, o da equidade, o da cultura, o do mérito, o da esperança.

Ante esse vazio (políticos, intelectuais, artistas, governantes, ninguém apresenta ideias de novos horizontes) as pessoas voltam-se para o passado, puxam por ele, pela solidez das suas normas, pela segurança dos seus conceitos tentando recuperar-lhe crenças e ideologias, sentimentos e virilidades, alienações e acções que restituam a ilusão da harmonia perdida. 

Os extremos, à direita e à esquerda ressurgem, consequentemente, irracionais, populistas, beatos, patéticos - fogos fátuos na história por vir . 

Daí Agostinho da Silva dizer que não temos saudades do passado, mas saudades do futuro, futuro sonhado no passado - e que continua futuro.

pires de absinto

Não vou amontoar metatretas. O futuro da casa não se segura em pilaresassim nem serve na sua mal guiada exaustão para base de café ou pires de absinto. 

São os livros, rapaziada. são os livros. Que me hei-de
finar como um fitilho de páginas sepulto entre lombada e desfolhadas.

E rir do heroísmo em falta por tal feito.
foto: The Twilight Zone. 'Time Enough at Last' 1959. Burgess Meredith.

Maria Antonieta conhecida como Rainha da Moda com um Estilo Icónico vai ganhar vida na Grande Exposição no Victoria & Albert Museum, em Londres, pela primeira vez.

Durante as suas duas décadas de reinado, Maria Antonieta não apenas governou a França, mas remodelou o mundo da moda e do design do século XVIII à sua imagem. 

Estilo elegante e  extravagante

Desde os seus vestidos sumptuosos em tons pastel e as perucas imponentes até às suas joias deslumbrantes e móveis dourados, a rainha adoptou um estilo pessoal de elegância extravagante que se estendia até seus aposentos no Palácio de Versailles, onde cores marcantes, tapeçarias luxuosas e toques rococó redefiniram o esplendor real.

O Estilo Maria Antonieta foi tão revolucionário que, séculos depois, ainda inspira artistas, designers e cineastas contemporâneos — de Alexander McQueen a Sofia Coppola — foram atraídos pela sua imagem. E o Victoria & Albert Museum não ficou de fora, de 20 de Setembro de 2025 a 22 de Março de 2026, ele apresenta uma grande mostra dedicada a esse ícone de Moda da Realeza.

"O Estilo Maria Antonieta", é a primeira exposição no Reino Unido centrada na rainha francesa, onde destaca as suas escolhas de vestuário e decoração, revelando como o seu estilo incomparável ecoou ao longo das eras. Entre os 250 objectos que estão expostos, também fazem parte do evento os artefactos históricos — alguns vindos directamente de Versailles — além de peças contemporâneas que atestam o apelo atemporal da monarca. A exposição é patrocinada pelo designer de calçados Manolo Blahnik.

"A rainha mais de moda, analisada e controversa da história, o nome de Maria Antonieta evoca tanto visões de excessos quanto objectos e interiores de grande beleza", afirmou a curadora da exposição, Sarah Grant, em comunicado. "Esta mostra explora esse estilo e a figura central por trás dele, utilizando uma variedade de peças requintadas que pertenceram a Maria Antonieta, além das mais belas obras de arte inspiradas no seu legado."

Vestidos leves e esvoaçantes

Quando subiu ao trono em 1774, as escolhas de vestuário da rainha rapidamente causaram alvoroço. Em contraste com a paleta sombria da corte francesa, os seus vestidos leves e esvoaçantes destacavam-se tanto pelas silhuetas quanto pelas cores vibrantes e detalhes intricados — rendas, fitas, babados. Ela popularizou estilos que priorizavam o conforto, como a "Robe à la Polonaise", reconhecível pelo corpete ajustado e a saia em três volumes distintos, e a "Robe à l'Anglais"e, em que o corpete justo se abre para uma ampla saia com fenda revelando a anágua.

Esse visual foi imortalizado por Élisabeth-Louise Vigée Le Brun no seu retrato de 1783 da rainha ricamente vestida segurando delicadamente uma rosa — obra que está presente na mostra "O Estilo Maria Antonieta". Também estão expostos fragmentos de vestidos de corte, sapatilhas de seda, joias e até um frasco de água de colónia da sua colecção pessoal. O museu recriou os aromas da corte e o perfume favorito da rainha na sua experiência olfativa imersiva.

Os visitantes também podem conhecer como Maria Antonieta decorava o seu refúgio particular em Versailles, o "Petit Trianon". Nesse santuário íntimo, a rainha expressava o seu amor pelo rococó, com papéis de parede pintados, objectos e móveis com formas florais e as suas célebres venezianas espelhadas. O seu serviço de jantar requintado está exibido na exposição, assim como conjuntos de cadeiras e outros objectos decorativos.

A fantasia e o estilo de Maria Antonieta

A mostra também destaca como a influência da moda da soberana perdurou através dos séculos, alimentando a imaginação cultural do século XIX até os dias actuais. Enquanto ilustradores Art Déco como Erté e George Barbier tentaram captar a fantasia do estilo de Maria Antonieta, a alta-costura moderna — com nomes como Vivienne Westwood, Moschino, Dior, Chanel e Valentino — procuraram igualar sua extravagância.

Claro, que é dado o devido destaque ao filme de Sofia Coppola, "Marie Antoinette", de 2006, vencedor do Oscar de Melhor Figurino. Looks e sapatos Manolo Blahnik criados para o filme de Sofia Coppola estão presentes, ao lado de outros figurinos, imagens de filmes e videoclipes que ressaltam o duradouro legado da rainha nas telas e nos palcos.

Retrato de Maria Antonieta, Rainha de França, num Vestido de Corte. Pintura a óleo de François Hubert Drouais, 1773. Créditos da imagem: © Victoria and Albert Museum, London. Colecção Victoria and Albert Museum, London. Cortesia Victoria and Albert Museum, London. 

Sobre o Estilo de Maria Antonieta, Sarah Grant, Curadora da diz ser "este o legado de design de uma celebridade da era moderna e a história de uma mulher cujo poder de fascinar nunca enfraqueceu. A história de Maria Antonieta foi recontada e reinterpretada por cada geração para atender aos seus próprios interesses. A combinação de glamour, espectáculo e tragédia que ela representa continua actualmente, como era no século XVIII."

As visões de excesso

Maria Antonieta evoca tanto visões de excesso quanto objectos e interiores de grande beleza. A arquiduquesa austríaca transformada em Rainha da França marcou profundamente o gosto e a moda europeia, criando um estilo distintivo que permanece universal. Esta exposição apresenta objectos requintados que lhe pertenceram, ao lado de peças inspiradas no seu legado — a herança de uma celebridade da modernidade inicial e a história de uma mulher cujo poder de fascinar jamais diminuiu.

Figurino, Andrea Grossi. Fotografia: Cortesia de Andrea Grossi. Cortesia Victoria and Albert Museum, London. 

Kate Moss, com um Vestido de Sarah Burton para Alexander McQueen, Van Cleef & Arpels, e Julian d'Ys, The Ritz, Paris 2012. Fotografias de Kate Moss no Ritz de Paris para a edição de Abril de 2012 da Vogue Americana. Créditos da imagem: © Tim Walker. Cortesia Victoria and Albert Museum, London. 

O Inferno é a primeira parte da "Divina Comédia" de Dante Alighieri, sendo as outras duas o Purgatório e o Paraíso. Está dividido em trinta e três cantos (uma divisão de longas poesias), possuindo um canto a mais que as outras duas partes, que serve de introdução ao poema. A viagem de Dante é uma alegoria através do que é essencialmente o conceito medieval de Inferno, guiada pelo poeta romano Virgílio. No poema, o inferno é descrito com nove círculos de sofrimento localizados dentro da Terra. Foi escrito no início do século XIV. Os mais variados pintores de todos os tempos criaram ilustrações sobre esta obra, se destacando Sandro Botticelli, Gustave Doré e Salvador Dalí.

Vasco Graça Moura  (1942-2014) tradutor de A Divina Comédia, fioi advogado, político, escritor. Começou a destacar-se como secretário de Estado no IV Governo de Vasco Gonçalves. Entre 1975 foi deputado à Assembleia Constituinte, pelo PPD.

Na década de 80 tornou-se nome central da literatura portuguesa da segunda metade século XX. Casou filha de Miguel Torga.

Apoiante de António Ramalho Eanes, foi director da RTP1, esteve na Imprensa Nacional, no PEN Clube, na UNESCO, no Conselho da Europa.

E nas Comemorações do Centenário de Fernando Pessoa e na Comissão das Comemorações dos Descobrimentos, na revista Oceanos, na Fundação Casa de Mateus, na Exposição Universal de Sevilha.

Vasco Graça Moura contra Acordo Ortográfico

E ainda nas Bibliotecas  da Fundação Calouste Gulbenkian, na Fundação Luso-Americana para o Desenvolvimento, na Fundação Centro Cultural de Belém.

Com António Mega Ferreira, propôs a Exposição Mundial de de 98 em Lisboa. Durante dez anos foi deputado ao Parlamento Europeu.

Liderou o Movimento Contra o Acordo Ortográfico. 

Torturados, torturadores 

Existe tanta gente a passar fome hoje (hoje, década 20 do século XXI) como existia, avisa a FAO, na mesma década do século XIX.

Parece haver, porém, quem não faça perguntas e o negue. Tal como nessa época, ela, a fome volta a ser arma de extermínio.

O humanismo só não soçobrou porque continuam a resistir quem impõe partilha à usurpação, inteligência ao obscurantismo. Não há emprego para toda a vida, ouve-se, mas há estômago, há corpo. 

Ideologias, instituições, capelas em vez de fomentarem conhecimentos fomentam ficções, crendices, santinhos, para cada aflição, cada regime, insaciáveis em grilhetas e fogueiras, esbulhos e opressões.

Perseguidos passam a perseguidores, torturados a torturadores, colonizados a colonizadores. De mártires no início, grupos emergentes tornam-se, por ascensões várias, verdugos do não sancionado por si, fazendo outros sofrer, multiplicado, o que eles sofreram, impondo regressos de totalitarismos, de esclavagismos, pervertendo liberdades, dignidades, esvaziando vidas, futuros.

Não íntegros, líderes perdem credibilidade; não amadas, mulheres sucumbem agredidas; não 

considerados, idosos sentem-se desperdícios; não reconhecidos, jovens empacotam-se em fugas avulsas; não apoiados, casais substituem filhos por animais de companhia e bonecos (bebés Reborn?) de aproximação.

Povos de democracias antigas agridem migrantes, refugiados, negros, ciganos, velhos, doentes, apátridas, criança, inculcam-lhes a dor de não merecerem existir; países soberanos invadem países soberanos, arrasam cidades, chacinam populações, provocam doenças, geram suicídios e terrorismo. 

Cientistas falam de novas pandemias causadas por retracções na saúde, na investigação, no crescer da miséria, da desigualdade, da desesperança.

Sempre que um ser humano se nega o universo contrai-se, a harmonia rompe-se. 

A morte dos assassinados é o princípio da morte dos assassinos.

As mudanças de era geram mutações imprevisíveis, como está a acontecer hoje. Salvaguardar a perspectiva disso deverá ser a função da cultura - daí ela ser tão temida pelas forças dominantes. Ainda.

Fernando Dacosta

A exposição, intitulada "Os Eduardianos: A Era da Elegância", agora patente na "King's Gallery", a galeria pública no Palácio de Buckingham, em Londres destaca a elegância eduardiana, através das imagens de dois casais reais que definiram o estilo no início do século XX: Eduardo VII e a Rainha Alexandra, e o seu filho, Jorge V, e a sua mulher, a Rainha Maria. (Jorge V é o bisavô materno do actual rei da Grã-Bretanha, Charles III.)

Os visitantes podem admirar tiaras de diamante, colares e outros itens reais brilhantes, que estão expostos a partir de 11 de Abril no Palácio de Buckingham e apresenta também uma selecção da enorme colecção real de arte, como móveis, pinturas e muito mais.

A Era Eduardiana (1901–1910) no Reino Unido foi um período de mudança significativa marcado pelo reinado do rei Eduardo VII, que sucedeu à rainha Vitória. Embora tenha sido curto, o reinado de Eduardo VII define esta era, que por vezes é alargada até ao início da Primeira Guerra Mundial, em 1914. Este período é considerado uma época de grande convulsão social e política, avanços tecnológicos e a ascensão da classe trabalhadora.

"O período eduardiano, como o concebemos, é muito glamouroso," disse Kathryn Jones, curadora da exposição e curadora sénior de artes decorativas da Royal Collection Trust, a entidade beneficente criada em 1993 para gerir a colecção.

"A família real da época levava um estilo de vida incrivelmente opulento e, não frívolo, mas um tanto hedonista, participando de festas nos jardins, eventos desportivos e bailes de fantasia," afirmou ela.

Cerca de metade dos 315 objectos de arte seleccionados para a exposição é exibida pela primeira vez, segundo Kathryn Jones, "ainda não tínhamos abordado o período eduardiano, porque a galeria onde as peças estão expostas foi só inaugurada pela Rainha Elizabeth II em 2002".

Ela disse ainda, "que a exposição incluí a cigarreira de esmalte azul de Eduardo VII realizada por Peter Carl Fabergé, mostrando que os homens podiam "expressar-se artisticamente através dos seus acessórios para fumar, e ainda um leque de penas de avestruz "que a Rainha Alexandra usou na sua coroação, com diamantes nos bastões de sustentação".

Segundo Kathryn Jones, "as joias desempenham um papel importante na narrativa da história da realeza: Tanto Alexandra quanto Mary são conhecidas pelas suas joias. Os retratos oficiais delas, mostram as peças que elas usaram. É algo que faz parte do reflexo delas. Alexandra, em particular, tem essa imagem incrivelmente glamourosa e, na época, era conhecida por ser uma líder da moda."

"Às vezes, os membros da realeza participavam no design das joias, já que estavam a encomendar peças e enviando-as de volta para serem alteradas", disse Kathryn Jones. Como exemplo, ela mencionou o elaborado colar Dagmar de diamantes, com sua cruz de ouro e esmalte, que foi dado a Alexandra, então princesa, por um primo, o rei da Dinamarca, por ocasião do seu casamento em 1863. "Quando chegou à Grã-Bretanha, ela o enviou à joalheria Garrard's e mandou adicionar pérolas extras, o que mostra a sua intervenção pessoal", disse Kathryn Jones.

A exposição, que vai até 23 de Novembro de2025, termina com os anos posteriores à Primeira Guerra Mundial. A morte e destruição provocadas pelo conflito trouxeram "uma percepção muito diferente da monarquia", disse Kathryn Jones.

(primeiro de 3 textos)

À falta de carro, vou andando

A única causa que conheço pela qual vale a pena combater é a de lutar
para que o bom senso se torne comum. 

Que por me faltarem tantas peças
ainda sou demasiado pacóvio para ser um puzzle. 

Vai-se vivendo. 

Ou, à falta de carro, vou andando. 

E se nem conduzo automóvel, muito menos guio o povo à vitória. Mas a minha causa é justa.

A ultra Direita Meloni agarra  nas bandeiras esquecidas da Esquerda

Meloni está a abraçar as bandeiras abandonadas pelas Esquerdas, acusando a França de explorar as crianças no Niger.  Ao mesmo tempo saúda inesperadamente a memória do carismático general Kadafi, assassinado num "raid" militar americano-francês-britânico. 

Pela primeira vez, a França é acusada por um chefe de governo europeu de peso ( e da ultra-direita ) de lapidar recursos africanos.

Meloni aponta para o Niger, país da escritora Antoinette Tidjani Alou, que está a quebrar todos os laços paternalistas com França.  A revolta já se espalhou ao Burkina Faso e Mali. 

O movimento é liderado pelo Capitão Traore, recente autor de um golpe militar que abandona  a França da Liberdade, Igualdade e Fraternidade e vira-se para a Rússia em busca dde parcerias.

Meloni percebeu o dilema  do jovem líder e foi directa contra Macron, acusando de roubar o urânio dos nigerianos, levado para as centrais nucleares francesas, enquanto o Niger permanece sem energia eléctrica. 

Em resumo Meloni diz a Traore que a França não representa os povos da Europa, mesmo quando sai à rua de colete amarelo.

Torturados, torturadores 

Existe tanta gente a passar fome hoje (hoje, década 20 do século XXI) como existia, avisa a FAO, na mesma década do século XIX.

Parece haver, porém, quem não faça perguntas e o negue. Tal como nessa época, ela, a fome volta a ser arma de extermínio.

O humanismo só não soçobrou porque continuam a resistir quem impõe partilha à usurpação, inteligência ao obscurantismo. Não há emprego para toda a vida, ouve-se, mas há estômago, há corpo. 

Ideologias, instituições, capelas em vez de fomentarem conhecimentos fomentam ficções, crendices, santinhos, para cada aflição, cada regime, insaciáveis em grilhetas e fogueiras, esbulhos e opressões.

Perseguidos passam a perseguidores, torturados a torturadores, colonizados a colonizadores. De mártires no início, grupos emergentes tornam-se, por ascensões várias, verdugos do não sancionado por si, fazendo outros sofrer, multiplicado, o que eles sofreram, impondo regressos de totalitarismos, de esclavagismos, pervertendo liberdades, dignidades, esvaziando vidas, futuros.

Não íntegros, líderes perdem credibilidade; não amadas, mulheres sucumbem agredidas; não 

considerados, idosos sentem-se desperdícios; não reconhecidos, jovens empacotam-se em fugas avulsas; não apoiados, casais substituem filhos por animais de companhia e bonecos (bebés Reborn?) de aproximação.

Povos de democracias antigas agridem migrantes, refugiados, negros, ciganos, velhos, doentes, apátridas, criança, inculcam-lhes a dor de não merecerem existir; países soberanos invadem países soberanos, arrasam cidades, chacinam populações, provocam doenças, geram suicídios e terrorismo. 

Cientistas falam de novas pandemias causadas por retracções na saúde, na investigação, no crescer da miséria, da desigualdade, da desesperança.

Sempre que um ser humano se nega o universo contrai-se, a harmonia rompe-se. 

A morte dos assassinados é o princípio da morte dos assassinos.

As mudanças de era geram mutações imprevisíveis, como está a acontecer hoje. Salvaguardar a perspectiva disso deverá ser a função da cultura - daí ela ser tão temida pelas forças dominantes. Ainda.

Fernando Dacosta

A exposição, intitulada "Os Eduardianos: A Era da Elegância", agora patente na "King's Gallery", a galeria pública no Palácio de Buckingham, em Londres destaca a elegância eduardiana, através das imagens de dois casais reais que definiram o estilo no início do século XX: Eduardo VII e a Rainha Alexandra, e o seu filho, Jorge V, e a sua mulher, a Rainha Maria. (Jorge V é o bisavô materno do actual rei da Grã-Bretanha, Charles III.)

Os visitantes podem admirar tiaras de diamante, colares e outros itens reais brilhantes, que estão expostos a partir de 11 de Abril no Palácio de Buckingham e apresenta também uma selecção da enorme colecção real de arte, como móveis, pinturas e muito mais.

A Era Eduardiana (1901–1910) no Reino Unido foi um período de mudança significativa marcado pelo reinado do rei Eduardo VII, que sucedeu à rainha Vitória. Embora tenha sido curto, o reinado de Eduardo VII define esta era, que por vezes é alargada até ao início da Primeira Guerra Mundial, em 1914. Este período é considerado uma época de grande convulsão social e política, avanços tecnológicos e a ascensão da classe trabalhadora.

"O período eduardiano, como o concebemos, é muito glamouroso," disse Kathryn Jones, curadora da exposição e curadora sénior de artes decorativas da Royal Collection Trust, a entidade beneficente criada em 1993 para gerir a colecção.

"A família real da época levava um estilo de vida incrivelmente opulento e, não frívolo, mas um tanto hedonista, participando de festas nos jardins, eventos desportivos e bailes de fantasia," afirmou ela.

Cerca de metade dos 315 objectos de arte seleccionados para a exposição é exibida pela primeira vez, segundo Kathryn Jones, "ainda não tínhamos abordado o período eduardiano, porque a galeria onde as peças estão expostas foi só inaugurada pela Rainha Elizabeth II em 2002".

Ela disse ainda, "que a exposição incluí a cigarreira de esmalte azul de Eduardo VII realizada por Peter Carl Fabergé, mostrando que os homens podiam "expressar-se artisticamente através dos seus acessórios para fumar, e ainda um leque de penas de avestruz "que a Rainha Alexandra usou na sua coroação, com diamantes nos bastões de sustentação".

Segundo Kathryn Jones, "as joias desempenham um papel importante na narrativa da história da realeza: Tanto Alexandra quanto Mary são conhecidas pelas suas joias. Os retratos oficiais delas, mostram as peças que elas usaram. É algo que faz parte do reflexo delas. Alexandra, em particular, tem essa imagem incrivelmente glamourosa e, na época, era conhecida por ser uma líder da moda."

"Às vezes, os membros da realeza participavam no design das joias, já que estavam a encomendar peças e enviando-as de volta para serem alteradas", disse Kathryn Jones. Como exemplo, ela mencionou o elaborado colar Dagmar de diamantes, com sua cruz de ouro e esmalte, que foi dado a Alexandra, então princesa, por um primo, o rei da Dinamarca, por ocasião do seu casamento em 1863. "Quando chegou à Grã-Bretanha, ela o enviou à joalheria Garrard's e mandou adicionar pérolas extras, o que mostra a sua intervenção pessoal", disse Kathryn Jones.

A exposição, que vai até 23 de Novembro de2025, termina com os anos posteriores à Primeira Guerra Mundial. A morte e destruição provocadas pelo conflito trouxeram "uma percepção muito diferente da monarquia", disse Kathryn Jones.

(primeiro de 3 textos)

Já foi afundado um barco e há uma grande expectativa sobre a Flotinha a Caminho de Gaza, sobretudo quando os barcos se aproximarem das águas da Faixa de Gaza. É importante, por isso, recordar o afundamento do navio Rainbow Warrior ( navio-almirante do Greenpeace) em 1985 por agentes dos serviços secretos franceses. Foi há 40 anos e a acção terrorista teve a cancela do governo francês. Os israelitas farão o mesmo?

Em 10 de julho de 1985, o navio estava atracado em Auckland, na Nova Zelândia, preparando-se para liderar uma flotilha de protesto contra os testes nucleares da França no atol de Mururoa, no Oceano Pacífico. Dois agentes franceses colocaram bombas no casco do navio.

Português morre no ataque ao barco

As explosões afundaram o navio e mataram tragicamente o fotógrafo e ativista luso-neerlandês, Fernando Pereira. Ele estava a bordo, a tentar salvar o seu equipamento fotográfico após a primeira explosão.

O ataque foi um ato de terrorismo de Estado que provocou um enorme escândalo internacional. A Nova Zelândia prendeu dois agentes franceses, e a França acabou por admitir o seu envolvimento. A crise diplomática que se seguiu resultou na demissão do Ministro da Defesa francês.

Warrior pôs em causa armamento nuclear

O afundamento do Rainbow Warrior tornou-se um marco na história do ativismo ambiental. O caso atraiu uma enorme atenção pública para a causa do desarmamento nuclear e reforçou o papel do Greenpeace como uma organização global.

O nome "Rainbow Warrior" foi continuado por outros navios do Greenpeace, mantendo vivo o legado da embarcação original. Os destroços do navio original foram mais tarde afundados e agora servem como um recife artificial e um local de mergulho na Matauri Bay, na Nova Zelândia, como um memorial ao evento.

O abate do jornalismo

Tornou-se moda nos últimos tempos anatemizar, insultar, culpabilizar o jornalismo, ou seja, os que o exercem, os jornalistas, pelos males abatidos sobre nós, repetindo-se uma vez mais o propósito de matar o mensageiro pelas más notícias que ele divulga.

A ilusão de que não se conhecendo as desgraças elas deixam de existir fez - sobretudo na política, na economia, na justiça, na comunicação social, etc. - caminho largo. Consequentemente, os jornalistas passaram a "jornaleiros", as notícias a "lixo", os comentadores a "comentadeiros" os periódicos a "pasquins"; e assim por diante. Adiante.

Em muitos casos, demasiados por certo, isso é, com efeito verdadeiro, mas é-o como consequência, não causa da situação criada, fruto de estratégias ardilosamente concebidas nesse sentido.

Por os interesses dos dominadores quase nunca corresponderem aos dos dominados, surgiu a decisão de os poderes controlarem o que se torna público. As ditaduras resolvem-no através de censuras directas, as democracias de manipulações indirectas; as primeiras utilizando repressores, as segundas sedutores.

Assim tem sido – e continua a ser. Ao desaparecimento, com o 25 de Abril, da Censura oficial surgiu (multiplicada pela sua privatização) a censura, sem esse nome, de partidos políticos, de instituições, de administrações, de autarquias, de todo bicho careta com poder, manha e desvergonha.

A seguir à Revolução entregou-se um jornal a cada partido (às vezes mais do que um), encheram-se as redacções de comissários políticos , proletarizaram-se os jornalistas 

Malraux: 

um jornalista 

que foi terrorista?

A propósito do afundamento terrorista do barco Rainbow Warrior pelos serviços secretos franceses lembremos André Malraux o jornalista escritor francês que participou em movimentos revolucionários, durante os anos 1920 e 1930. Ele envolveu-se na luta contra o colonialismo e esteve ativo na Revolução Chinesa, onde suas experiências o levaram a refletir sobre a condição humana em seus escritos.

Tentou roubar máscaras funerárias

Em 1925, Malraux foi preso por tentar roubar máscaras funerárias de um templo em Phnom Penh, no Camboja, e essa ação pode ser vista como uma expressão de seu ativismo cultural e político. Mais tarde, ele se alistou como voluntário na Guerra Civil Espanhola, apoiando os republicanos contra o governo franquista, o que demonstrou seu comprometimento com causas políticas.

Embora tenha estado envolvido em situações de conflito e tenha se oposto a regimes autoritários, é importante lembrar que seu foco principal era a literatura e a reflexão sobre a condição humana, e não ações terroristas. 

Ele é mais conhecido por seu trabalho como escritor e político do que por qualquer atividade violenta ou terrorista. André Malraux era amigo e admirador do General De Gaulle, sobre quem escreveu "Os robles também se abatem".

O General De Gaulle (de óculos) co. André Malraux

Art Deco 1

Está anunciada para 22 de Outubro a comemoração dos "100 Anos da Art Deco" no Musée des Arts Décoratifs, em Paris. Atraente, exótica e vibrante, assim se pode definir a Art Deco, um dos estilos mais populares do século XX.

Será uma exposição muito em especial, para quem sente grande fascínio por esta arte. Estão reunidos mais de 80 objectos- pintura, escultura, arquitectura, mobiliário, têxteis, vidro, metal, joalharia, artes gráficas, design industrial, moda, cinema e fotografia – fazendo parte da colecção do museu das Artes Decorativas de Paris.

Após a primeira Grande Guerra, a França tinha sido sacudida por uma euforia de viver, um frenesim de novidades, um transbordar de ritmos e de cores.

A Art Deco surgiu neste ambiente da grande festa dos Anos Loucos e foi o novo e excitante movimento de arte que varreu a ornamentação elaborada dos séculos anteriores e a substituiu com uma surpreendente simplicidade de linhas, o seu nome deriva da Exposição das Artes Decorativas e Industriais, realizada em Paris em 1925.

A visão analítica da forma

As raízes da Arte Deco estendem-se ao cubismo com as formas geométricas das suas decorações; ao "esprit nouveau" de Le Corbusier, de que retém a visão analítica da forma; ao fauvismo, cuja negação ao modelado e ao claro-escuro adoptado; ao futurismo, onde encontra a noção de velocidade; aos Ballets Russos, de que assimila o colorido e uma nova concepção de espectáculo.

Mas a par desse aspecto, a Art Deco encontrava a sua razão de ser não apenas na cidade de Paris, e em definitivo conquistava a Europa e a América, sendo aí participante activo na difusão de um gosto e de uma mentalidade moderna.

A euforia escaldante da vida

Depois dos corpos massacrados e estropiados da primeira grande guerra, explode a euforia escaldante da vida "Folles ou Rouring". Assim se denominam, se consomem e se publicitam. Consumia-se a vida na necessidade de ilusão, do desfazer quotidiano de antigas fronteiras e hierarquias, de velhos hábitos e modos, como exigível condição para devorar todos as energias da vida e, entre elas, a não menos relevante tarefa de ganhar dinheiro numa febre que acabaria fortemente no "rouring arack" de 1929.

Uma forma de estar efervescente

A par de preocupações mais directamente reflexivas e pesquisadoras, a cultura europeia conhecia uma dimensão mais despreocupadamente mundana e soberanamente vivencial.

As modalidades artísticas, literárias e da moda, o jornalismo, o cinema, o "music-hall", o teatro e até a política, aproximam-se entre si e não poucas vezes se equivalem ou confundem, ao afirmarem os seus produtos como valores essenciais e objectos atraentes, prontos a serem consumidos por uma assumida forma de estar veloz e efervescente.

Ela própria é atractiva, extremamente apetecida, numa época que se quer e que se descobre de uma forma precipitada promissoriamente na imagem de um carro desportivo ou na silhueta esguia de uma "starlete" representada num écran de cinema ou ainda no subtil odor de um perfume.

As imagens da mulher emancipada

Os Anos 20 eram vividos na cidade, território natural e reinventado, em precisos espaços públicos onde se investia a desejável cumplicidade entre produtos e consumidores entre o imaginário e o real.

Das salas dos "night clubs", do cinema e do "music hall", dos livros e dos magazines, projectavam-se para a rua, como por magia, imagens da mulher emancipada, com corte de cabelo à "garçonne" ao volante dum carro de sport, ou da rapariga fazendo pose com uma cigarrilha, onde o fumo em serpentina se cruza com o seu companheiro,.

Ou ainda a imagem de uma "vamp" lembrando o aspecto distante, perverso e às vezes fatal, como representavam nesta época nos seus filmes Dietrich, ou ainda desarticulada pela noite dentro à euforia trepidante do charleston ou do mais violento tango, a dança que deu nome à cor dos "Twenties", esse alaranjado metal por fogoso entusiasmo do seu componente vermelho.

(primeiro de dois textos sobre esta exposição)

nem toda a treta dá leite

Passo pelo tempo a caminho de outros afazeres, alontanado da coisa da vida. 

Ou como aprendi de um amigo com idade para ser meu avô e destemperança 

que chegasse para ser meu neto: 'olha de cautela, que nem toda a treta dá leite'.

O Holocasto 

do Povo Palestino

José Saramago, lê a Bíblia

e perdes a fé!

já não há limões

A Assembleia da República

A exposição de Paris sobre "Cem anos de Art Deco" abre portas as 22 de Outubro e propõe uma viagem ao coração da criação dos anos loucos e das suas obras-primas patrimoniais, sob o signo do m´tico comboio Oriente-Expresso.

Mobiliário escultural, jóias preciosas, objectos de arte, desenhos, cartazes e peças de moda: contam a riqueza, a elegância e as contradições de um estilo que continua a fascinar.

A mostra apresenta uma cenografia que podia ser mais cativante, muitos objectos estão em cima de uns dos outros deviam estar mais distanciados, porque deste modo não nos apercebemos bem das peças exibidas.

A exposição abre-se de forma invulgar com o fantástico "Orient Express", verdadeira jóia do luxo e da inovação. Esta imagem representa uma cabine do antigo comboio "Étoile du Nord", ao lado de três maquetes do futuro "Orient Express", reinventado por Maxime d'Angeac, ocupam a nave principal do museu. 

Um convite para admirar um universo onde a arte, a beleza e o sonho se inventam no presente como em 1925. O comissariado geral da exposição é assegurado por Bénédicte Gady, directora interina dos museus, e o comissariado por Anne Monier Vanryb, conservadora das colecções modernas de 1910-1960, numa instalação concebida pelo Atelier Jodar e do Studio MDA.

A mostra está organizada segundo um vasto percurso cronológico e temático que se estende pela nave e pelas galerias do 2º e 3º andares do museu, a exposição retrata as origens, o apogeu, o desenvolvimento e as reinterpretações contemporâneas da Art Deco.

Do mobiliário exposto, sobressai os cadeirões e mesas de Robert Mallet-Stevens, que repousam sobre uma base em tubo metálico. Estas peças são notáveis exemplos dos móveis em tubo metálico da Art Deco francesa, foram realizadas pelos mais importantes designers da época.

De destacar ainda colares, alfinetes, relógios, nécessaires, desenhos e documentos do arquivo da Cartier– ilustram a criatividade formal e a riqueza simbólica das criações da maison. 

Para além das joias singulares, pode-se referir as belíssimas cigarreiras em prata ou ouro com esmaltes com desenhos geométricos, onde essas peças encarnam a estética do luxo Art Deco, reflectindo ao mesmo tempo a evolução dos gostos de uma clientela internacional cosmopolita, em busca de distinção e modernidade.

A exposição termina com o universo da moda e das artes têxteis, que é representado pela capa de Madeleine Pangon, o vestido com pequenos cavalos de Madeleine Vionnet, uma jaqueta criada por Sonia Delaunay, um vestido de Jeanne Lanvin, que não são as melhores peças que estas designers de moda realizaram.

Um século após o seu surgimento, a Art Deco continua a inspirar pela sua modernidade, elegância e liberdade de formas. 

Ao cruzar os olhares de ontem e de hoje, a exposição mostra o quanto este movimento permanece vivo, em ressonância com as questões estéticas e os saber-fazer contemporâneos. Mais do que uma homenagem ao passado, ela convida a repensar a Art Deco como uma fonte sempre fecunda de criação e inovação.